коричневый на картинах известных художников
•
Пепельное, дымное, томное, пастельное, воздушное… Лиловое, бледно-голубое, нежное, прозрачное… Пепел розы. В безумно талантливом романе-бестселлере К. Маккалоу «Поющие в терновнике» цвет платья главной героини, обреченной на вечную разлуку с возлюбленным, назывался «пепел розы». В портрете Марии Лопухиной, умершей от чахотки через год после его завершения, все пронизано тончайшей грустью молодости, не ведущей ни к какому будущему, исчезающей как дым – все пронизано «пеплом розы».
Сочинение о картине Портрет М.И. Лопухиной работы В.Л. Боровиковского →
Живопись нельзя нюхать.
Рембрандт Харменс ван Рейн
•
Белый мостик, весна или лето, жухлая трава или первые ростки, но тепло, тепло, тепло и солнечно — вот такое впечатление остается от просмотра картины Джона Твочмена. Но ее следует рассматривать внимательно, пристрастно, долго — а с первого взгляда это просто какая-то неудачная мазня 🙂 Сочинение о картине Белый мостик Джона Твочмена →
•
Жизнеутверждающий сюжет? Все зависит от вашего отношения. Простой хлеб и праздничная выпечка. Это может смотреться как реклама булочной. Где Машков взял постановку для натюрморта?.. Сочинение о картине Хлебы Натюрморт Ильи Машкова →
•
Теплый усталый натюрморт из строительно-рабочего быта. Ножовка и папиросы, подлещик и кружка с янтарным напитком. Советское и современное на одном полотне. Отлично! Сочинение о картине Натюрморт Перерыв Анастасии Дубовик →
•
Дурное дело пытаться описывать картины сюрреалистов, но свои впечатления — почему бы и нет? Однако в случае с «Постоянством памяти»
•
Безыскусная на первый взгляд картина Алексея Саврасова изображает даже и не зиму, а пространство. И не дорогу — даль. Практически сведенный до белого и темного колорит интересен для анализа. Сочинение о картине Зимняя дорога Алексея Саврасова →
•
Простая, как трубка, картина о трубке нам заявляет, что это не трубка — ведь все же картина суть образ, а в нем нет места огню и не пахнет дымком. Рене Магритт доставляет, как обычно. Сочинение о картине Предательство образов Рене Магритта →
Модульные картины коричневые
Переносить рисунок на стены можно применяя трафарет, главное, не подбирать сложные настенные рисунки, дабы не появились сложности с ошпаклевыванием. Кроме этого, существуют правила, которые следует соблюдать, выбирая место для подобных изображений. Комната для подростка в армейском стиле( милитари Комната с синей подсветкой. Часто заполненные мебелью( диван или два, кресло и мультимедийные элементы), они обычно нуждаются в решении для хранения, которое позволяло бы им чувствовать себя просторными, не жертвуя стилем. Модульная картина на холсте может не только добавить изящества вашему дому, но и стать отличным решением, если необходимо преподнести изысканный подарок на юбилей, свадьбу или по другому важному поводу. Оставляйте между картинами немного свободного места, не лепите вплотную друг к другу.Составленный из двух цветов- антогонистов серый это естественный серо- буроватый цвет натуральных материалов: необеленного льна, пеньки, шерсти и бетона. Отличительной чертой стиля является использование исключительно природных материалов по возможности с минимальной обработкой и без всякого покрытия. Угловая композиция позволяет оживить коридорное пространство и выгодно подчеркнуть его объемы. Это отдельная услуга, получить информацию о которой, а также заказать бесплатную консультацию специалиста вы можете на странице Согласование перепланировки квартиры. Самым основным секретом высадки растений считается тот момент, что их нужно высаживать без опор.
Вы только представьте до чего это интересно, рисовать на доске которая по сути является стеной. Можно цельной полоской, можно два квадрата на противоположные стороны. Оформление гостиной даёт широкий спектр возможностей, чтобы выразить в ней то, что считаете нужным. Дети знакомятся между собой в игровой комнате и не мешают другим гостям. Ковер обычно либо однотонный, либо он имеет полосатый или ромбовидный орнамент.
Коричневый цвет в истории и искусстве – HiSoUR История культуры
Браун – составной цвет. В цветовой модели CMYK, используемой при печати или росписи, коричневый цвет получается путем сочетания красного, черного и желтого или красного, желтого и синего. В цветовой модели RGB, используемой для проецирования цветов на телевизионные экраны и компьютерные мониторы, коричневый цвет получается сочетанием красного и зеленого в определенных пропорциях. Коричневый цвет широко встречается в природе, в древесине, почве, цвет человеческих волос, цвет глаз и пигментация кожи. Браун – цвет темного дерева или богатой почвы. Согласно опросам общественного мнения в Европе и Соединенные Штаты , коричневый цвет – наименее любимый цвет публики; цвет чаще всего ассоциируется с простотой, деревенской и нищеты.
История и искусство
Древняя история
Браун использовался в искусстве с доисторических времен. Картины, использующие умбер, природный глинистый пигмент, состоящий из оксида железа и оксида марганца, были датированы 40 000 г. до н.э. Картины коричневых лошадей и других животных были найдены на стенах пещеры Ласко, которая насчитывает 17,300 лет. Женские фигуры в древних египетских гробницах имеют коричневую кожу, окрашенную умом. Легкий загар часто использовался на окрашенных греческих амфорах и вазах, либо в качестве фона для черных фигур, либо наоборот.
Древние греки и римляне изготовили прекрасные красновато-коричневые чернила, цвет которых назывался сепия, сделанный из чернил различных каракатиц. Эта чернила использовались Леонардо да Винчи, Рафаэлем и другими художниками в эпоху Возрождения, а художники – до настоящего времени.
В Древнем Риме коричневая одежда была связана с низшими классами или варварами. Термин для плебеев или городской бедноты был «pullati», что означало буквально «одетых в коричневый цвет».
Постклассическая история
В средние века коричневые мантии носили монахи францисканского ордена, как знак их смирения и нищеты. Ожидается, что каждый социальный класс будет носить цвет, подходящий для их станции; и серый и коричневый были цветами бедных. Красноватая была грубой домотканой тканью, сделанной из шерсти и окрашенной в грудь и безумие, чтобы придать ей приглушенный серый или коричневый оттенок. По статуту 1363 года бедные английские люди должны были носить румяна. Средневековая поэма Пирс Плуман описывает добродетельного христианина:
И это радость гуна красавицы
Что касается туники Тарсе или черепашки алой.
В средние века темно-коричневые пигменты редко использовались в искусстве; художники и художники-иллюминаторы того времени предпочитали яркие, четкие цвета, такие как красный, синий и зеленый, а не темные цвета. Умеры не были широко использованы в Европа до конца пятнадцатого века; Художник-ренессанс и писатель Джорджио Вазари (1511-1574) назвали их довольно новыми в свое время.
Художники начали использовать гораздо большее использование коричневых цветов, когда малярная живопись прибыла в конце пятнадцатого века. В эпоху Возрождения художники обычно использовали четыре разных коричневого цвета; сырая umber, темно-коричневая глина, добытая с земли вокруг Умбрии, в Италии; сырая сиена, красновато-коричневая земля, добытая вблизи Сиены, в Тоскане; сожженная умбер, глина Умбрии нагревалась до тех пор, пока она не превратилась в более темный оттенок, и сгорела сиена, нагретая до тех пор, пока она не превратилась в темно-красновато-коричневый цвет. В Северная Европа , Ян ван Эйк показал богатые коричневые земли в своих портретах, чтобы отправиться в яркие цвета.
Современная история
17 и 18 века
В XVII и XVIII веках наибольшее использование коричневого. Караваджо и Рембрандт Ван Рейн использовали коричневые цвета для создания светотеневых эффектов, когда предмет появился из темноты. Рембрандт также добавил umber к наземным слоям своих картин, потому что это способствовало более быстрой сушке. Рембрандт также начал использовать новый коричневый пигмент, называемый Cassel earth или одеколон Земля. Это был естественный цвет земли, состоящий из более девяноста процентов органического вещества, такого как почва и торф. Он использовался Рубеном и Энтони ван Дейком, а позже стал широко известен как коричневый Ван Дейк.
19 и 20 век
Браун вообще ненавидел французских импрессионистов, которые предпочитали яркие, чистые цвета. Исключением среди французских художников 19-го века был Поль Гоген, который создал светящиеся коричневые портреты людей и пейзажи Французская Полинезия ,
В конце 20-го века коричневый стал общим символом в западной культуре для простых, недорогих, естественных и здоровых. Мешочные ланчи были перенесены в простые коричневые бумажные пакеты; упаковки были обернуты простой коричневой бумагой. Коричневый хлеб и коричневый сахар считались более естественными и здоровыми, чем белый хлеб и белый сахар.
Поделиться ссылкой:
- Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
- Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
- Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)
Владимир Уманец и другие художники-вандалы: как художники и нехудожники уничтожали картины и другие произведения искусства
Вандализм в отношении произведений искусства — уголовно наказуемое хулиганство, изощренная форма манифестации политических взглядов и художественное переосмысление классики. «Газета.Ru» вспомнила самые известные случаи творческих разрушений за последние сто лет.
7 октября 2012 года поляк Влодзимеж Уманец испортил полотно великого американца Марка Ротко «Черное на коричневом», выставленное в лондонской Tate Modern: в углу картины он оставил свою надпись, в которой признал работу Ротко «потенциальным произведением желтизма». После содеянного Уманец не скрылся, а спокойно посидел на лавке, разглядывая обновленную картину, и не спеша удалился.
По его мнению, несколько слов маркером не испортили работу Ротко, а лишь увеличили ее стоимость.
Ему было предъявлено обвинение в «нанесении ущерба на сумму, превышающую пять тысяч фунтов стерлингов».
Поляк Владимир (Влодзимеж) Уманец вместе с товарищем Марчином Лодыгой являются единственными на планете представителями течения «желтизм» (Yellowism). Одиночество их не печалит: изобретатели «желтизма» ждут в ближайшее время экспансии этого течения, которое, указывает их манифест, не является ни искусством, ни антиискусством. Не только произведение искусства, но и любой предмет может быть причислен к «желтизму», отличительная особенность которого состоит в отсутствии творческого элемента.
Уманец признал себя виновным и ожидает приговора, указывая, что у него нет денег, чтобы компенсировать ущерб. Ну а пока за Уманца еще не взялись психиатры, как год назад за Андерса Брейвика, сложно судить его поступок с точки зрения здравого смысла. Уманец не был первым, кто решил «поправить» художника или использовать чужие произведения искусства для выражения собственных взглядов, и не все его предшественники отличались душевным здоровьем.
Мы почти ничего не знаем о Герострате, который успешно уничтожил храм Артемиды в Эфесе, но о сожженном храме знаем еще меньше. Слава Герострата достается не каждому:
никто не помнит имя машиниста подъемного крана, который в 1991-м, на пике народного подъема, сорвал памятник Феликсу Дзержинскому с постамента на одноименной площади, вскоре переименованной в Лубянскую. Подвиг безымянного крановщика, кстати, в августе этого года повторил водитель «КамАЗа», который в пьяном виде демонтировал памятник Ленину в Северной Осетии. Осетинские коммунисты уверены, что это был акт политического вандализма.
Сам термин «вандализм» происходит от названия племени — вандалов, которые в 455 году разграбили Рим, — и вошло в обиход в XIX веке, вскоре после Французской революции.
За 10 лет беспорядков революционные французы разрушили, по подсчетам историков, 168 памятников искусства и архитектуры.
Большая советская энциклопедия определяет вандализм как «бессмысленное уничтожение культурных и материальных ценностей». Думается, французы опротестовали бы это определение. Равно как и суфражистка Мэри Ричардсон, которая в 1914 году попыталась изрубить тяпкой «Венеру с зеркалом» Веласкеса в знак протеста против дискриминации женщин; также ей не нравилось, что на Венеру безнаказанно глазеют холостые посетители Лондонской национальной галереи. Правда,
в результате действий Ричардсон (которая спустя 20 лет возглавила женское подразделение Британского союза фашистов) дискриминация женщин только усилилась: на некоторое время им запретили посещение галереи без сопровождения мужчины.
Вызванный похожими мотивами визит в Эрмитаж обошелся литовцу Бронюсу Майгису в шесть лет закрытой психбольницы.
В 1985 году он с криком «свободу Литве!» облил кислотой «Данаю» Рембрандта и дважды разрезал полотно ножом.
С диагнозом «вялотекущая шизофрения», который ставился в основном диссидентам, Майгиса упекли на Пряжку, а перед самым отделением Прибалтики от СССР перевели в литовскую психиатрическую больницу. Литовцы Майгиса выпустили, однако борцом за освобождение родины не признали. Реставрация «Данаи», потерявшей около трети красочного слоя, завершилась только в 1997-м, а сейчас она демонстрируется под бронестеклом.
Такое же бронестекло в 2009 году спасло «Мону Лизу», в которую наша соотечественница запустила кружкой — нервная барышня выместила на Леонардо обиду на то, что ей отказали во французском гражданстве. А защитили картину после 1956 года, когда один вандал облил нижнюю часть полотна кислотой, а второй швырнул в «Мону Лизу» камнем. Поэтому, когда в 1974-м «Мона Лиза» почти случайно, проездом из Токио, оказалась в ГМИИ имени Пушкина в Москве, на ней не было ни следа красной краски, которой японские продолжатели дела суфражистки Ричардсон, боровшиеся за права инвалидов, попытались обрызгать полотно.
Эскизу Леонардо «Св. Анна с Марией и младенцем Христом» повезло меньше. В 1987-м выстрел в упор из обреза разбил стекло и прорвал 20-сантиметровую дыру в рисунке. Эскиз стоимостью $35 млн был испорчен ради демонстрации протеста против внешней и внутренней политики Великобритании.
В дореволюционной России борцом с кровавым режимом был и старообрядец Артем Балашов, который в 1913 году трижды пырнул ножом картину Ильи Репина «Иван Грозный убивает своего сына». «Довольно крови!» — кричал Балашов, кромсая ошеломившее современников ужасное лицо царя.
Новую голову Грозного написал сам Репин.
Но манера художника сильно изменилась за 30 лет, прошедших к тому времени с рождения картины. Поэтому, как только Репин уехал, реставратор Игорь Грабарь стер репинские краски и написал голову царя Ивана заново. Художник замены не обнаружил.
Вандализм — оружие не только на политическом, но и на художественном фронте, и Владимир Уманец и здесь не первооткрыватель этого творческого метода. В 1993 году «Писсуар» Марселя Дюшана использовал по прямому назначению француз Пьер Пинончелли: возможно, он просто не знал о том, что незадолго до этого Авдей Тер-Оганьян в московской Галерее на Трехпрудном выставил в качестве произведения искусства как раз писсуар, которым можно было пользоваться беспрепятственно.
Как бы то ни было, но спустя 13 лет Пинончелли вернулся к «Писсуару» Дюшана и разбил его молотком. 200 тысяч евро штрафа, которые выплатил 77-летний акционист, хватило на реставрацию.
Русские же художники добирались и до самых что ни на есть оригиналов. В начале 1997 года московский акционист Александр Бренер нарисовал знак доллара на шедевре из коллекции русского авангарда амстердамского музе «Стеделийк» — картине «Белый крест на сером фоне» Казимира Малевича. Вопреки нынешней практике почти единодушной поддержки скандальных акций, тогда мнения художественного сообщества — рассматривать ли этот жест с точки зрения свободы самовыражения художника или вандализма — разделились. Известный журнал Flash Art настаивал на том, что Бренер прибавил «новый эстетический компонент» к картине Малевича, а ныне покойный лидер петербуржской «Новой академии» Тимур Новиков расценивал акцию младшего коллеги как оскорбление культуры. Бренер отсидел в нидерландской тюрьме 5 месяцев; по мотивам его акции и последовавшего процесса в следующем году был снят фильм «Суд над Брунером».
Неожиданные сувениры достались туристам в соборе св. Петра в 1972 году, когда спятивший геолог вообразил себя Христом и напал с молотком на «Пьету» Микеланджело. Осколки разобрали очевидцы происшествия, нос Марии так и не нашли. А русский
художник Валерий Кошляков однажды нашел на помойке собственные работы. Несколько лет назад он шел на монтаж своей выставки и обнаружил возле галереи кучу своих картин, которые выбросила уборщица: по простоте она сочла их испачканными листами картона. И это тоже вандализм, хоть и ненамеренный.
Хуже поступил школьник из Детройта, который во время экскурсии прилепил жвачку к абстракции Хелен Франкенталлер: картина стоимостью в $1,5 млн осталась с пятном, а мальчик получил в качестве наказания освобождение от уроков.
«Вандализм по любви» обошелся живущей во Франции художнице из Камбоджи Ринди Сэм немного дороже, чем невежественному школьнику, — в 2001 евро. Именно столько присудил ей выплатить суд за то, что она поцеловала картину Сая Твомбли и испачкала ее губной помадой, причем 1 евро из этой суммы достался автору работы. А самая последняя история еще не окончена.
Недавно молодой художник Василий Субботин, член многообещающей краснодарской группировки ЗИП, в Государственной Третьяковской галерее лизнул картину Ван Гога с благовидной целью — чтобы получить часть таланта автора. С четверга инсталляцию ЗИПов «Утопия» можно будет видеть на выставке номинантов премии Кандинского: она вошла в шорт-лист премии, и если ребята получат ее, значит акция удалась.
Ван Гог пострадал за хорошее дело.
Коричневый цвет стен — 70 фото лучших дизайнерских идей сочетания
Представьте у себя дома коричневый цвет стены, согласитесь практически эксклюзивный дизайн.
Если есть такая мечта вперед, дерзайте, но помните такой дизайн дает очень не много возможностей для свободного полета мысли.
Оглавление статьи:
Покраска
Покрасив стены в коричневый цвет вы рискуете получить довольно темную комнату, если она находиться не несолнечной стороне или имеет небольшие окна.
Чтобы этого избежать лучше всего покрасить в шоколадно коричневый какую то одну стену.
Другие для баланса покрасьте в голубой, розовый или молочный цвет. Можно дополнительно использовать шторы или накидки шоколадного цвета.
Обои
Коричневые обои для стен хорошо различимы по цветовым оттенкам
- Туап коричневый цвет с серым оттенком. Хорош в сочетании с бордо.
- Сепия чаще всего используется в фотообоях.Представляя собой землистый оттенок. Подходит как для ретро так для ультрасовременных дизайнов.
- Кофейный цвет это сочетание молока и кофе, дающее отличный холодный оттенок. При сочетании с бежевым получаться прекрасные комнаты отдыха.
- Шоколадные отлично смотрятся даже в одиночку.
Сочетания с коричневым
Коричневый цвет очень хорошо сочетается с мягкими светлыми тонами. Для того что бы получить светло-коричневые стены стоит добавить немного молочного.
Стены темно коричневого стоит цвета добавить шоколада. Для появления яркой картины стоит попробовать розовый или бирюзовый.
Например шоколадные стены и молочно бирюзовый пол. Более подробно можно посмотреть на фото коричневых стен.
Темные стены. Яркая мебель.
Думаю, не открою ничего нового, что коричневые стены в интерьере в сочетании с темной мебелью смотреться мягко говоря не будут.
И при этом еще будут друг друга затемнять.желательно использовать только светлую мебель, которая будет создавать контраст со стеной. Ведь наша цель не затемнить, а осветлить шоколад.
Ретро мебель позволит вашему интерьеру взлететь просто до небес. Коричневый тон лучше использовать максимально теплый.
Шоколад в спальне
Шоколадно коричневая спальня может быть какой угодно от умиротворяюще спокойной до проникновенно дерзкой.
Все завит от ваших желаний и возможностей. Посмотрите на эти это хорошо видно на коричневые стены фото.
Гостиная в шоколаде
Гостиная это лицо квартиры и поэтому лучше всего использовать теплы шоколадный оттенок в сочетании с молоком для получения стен светло-коричневого цвета.
Они будут распространять тепло и благополучие делая атмосферу более приглушенной и спокойной.
Посмотрите еще здесь:Шоколад в детской
В детской важнее всего уют и сочетание коричневых стен в ней большая редкость. Но даже такую комнату можно сделать спокойной и по-детски милой.
Ванная в шоколаде
Дизайнеры прощаются с навязанными старыми стереотипами, что лучший цвет для ванны синий или голубой оказываться и коричневый очень даже ничего.
Шоколад на кухне
Коричневые стены на кухне довольно сложно представить, но почему бы и нет. Вдруг кому-то понравиться
Шоколадная прихожая
О дизайне коричневых стен в прихожей можно не особо беспокоиться, коричневый цвет хороший вариант, скучным он точно не будет.
Советы дизайнера
На примере с мебелью используйте контраст на малозаметных элементах то есть если на фоне коричневой стены поставить белую китайскую вазу смотреться будет просто великолепно.
Посмотрите еще здесь:Повесите бежевые или молочные шторы, Поставьте оранжевый журнальный столик. Между прочим оранжевый неплохо сочетается с коричневым
И еще делайте только для себя что бы вам было комфортно и уютно. А шоколадно коричневый пусть вам в этом поможет. Подарить спокойствие и тепло кофейного оттенка.
Фото коричневых стен в интерьере
Посмотрите еще здесь:0 0 голоса
Рейтинг статьи
Волжская художница возвела живопись в «Абсолют» | Новости Волжского
реклама…Полотно в коричневых тонах, усеянное яркими точками, — «Поток Персеид». Коричнево-сине-зелёные разводы на холсте – «Стремление к жизни». Сине-зелёно-золотистые разводы – «Оствинд», восточный ветер.
И пусть вам не кажется, что картины практически идентичны, — они разные.
Эмоции — «абсолют»но разные
Это и есть модная нынче «интуитивная живопись» от художницы Веры Маковецкой. Выставка её работ, работающая в городском выставочном зале им. Г. Черноскутова, называется «Абсолют».
Наверное, потому что картины вызывают у посетителей «Абсолют»но разные эмоции. Сотрудники выставочного зала рассказали: когда они развешивали картины, в зал заглянули две посетительницы. Одна, окинув взглядом стены, сказала: «Нет, я такое не понимаю!» — и быстро ушла. «А мне нравится», — заметила вторая – и осталась рассматривать полотна. Кто-то из зрителей нашёл, что картины – «отражение сегодняшней политической ситуации», кто-то сравнил их с творчеством известных абстракционистов… Прозвучали хвалебные рецензии и от известных волжских художников.
Художник Людмила ПетренкоМлечный путьПросто хотелось рисовать
-Творчеством я занималась всю свою сознательную жизнь, — рассказывает художница. – Шила, вязала, вышивала… Я электрик по профессии, полностью смогла посвятить время своему хобби после выхода на пенсию. Краски впервые взяла в руки году в 2002-м. Причём никакого художественного образования у меня нет, я не посещала ни студии, ни кружки… Просто в один прекрасный день захотелось попробовать написать акварель. И получилось! Хотя подруга, глядя на букет роз и клематисов, сказала, что моё творчество – «уровень детского сада». А мне просто хотелось рисовать. Я чувствовала себя от этого счастливой, понимаете? Теперь пишу практически каждый день.
Солнечная змеяАвтопортретОщущение полной свободы
-Теоретики интуитивной живописи говорят, что сначала нужно настроиться на творчество: включить приятную музыку, закрыть глаза, помедитировать. У вас всё именно так и происходит?
-Всё иначе! И музыку я не слушаю, хотя в последнее время стала напевать во время работы. Я не загадываю, что именно хочу изобразить, — натюрморт, портрет, абстракцию. Интуитивно наношу краски на холст, смешиваю их. И никогда не знаю, что получится в итоге. И так как результат неизвестен, я ощущаю полную свободу. Я знаю: то, что получится, будет прекрасно.
Ещё автопортрет-А отсутствие художественной школы не мешает творчеству?
-Признаюсь, однажды я все же записалась на бесплатный онлайн-марафон по обучению художественном творчеству. Но очень скоро поняла, что эти онлайн-уроки мешают: вместо того, чтобы полностью отдаваться процессу творчества, я стала думать, например, как правильно расставить на картине смысловые акценты. Больше никаких уроков и тренингов не посещала.
серия «Ацтеки»Всё происходит само собой
—Что вам интереснее: натюрморт, сюжетные картины, абстрактные полотна?
-Мне интересно все. А сюжеты рождаются сами, независимо от меня. Иногда работаю быстро — вот этот «Автопортрет», например, был создан минут за пятнадцать. Есть знаковые для меня работы. «Ключ к мирозданию» появился, когда мне нужно было найти ответ на важные вопросы. Удивительно: как только я изобразила на полотне ключ, ответ пришёл, точно замок щёлкнул, открываясь. Есть целые серии работ – одна из них, «Ацтеки», есть в экспозиции. Но не вся – несколько работ из этой серии у меня приобрела приехавшая в Волжский жительница Нью-Йорка. Уехали мои полотна за океан. Но в любом случае не я решаю, что изобразить. Всё происходит само собой.
—Ваши картины вызывают у зрителей самые разные эмоции. Как относитесь к критике?
-Каждый имеет право высказать собственное мнение. Я с уважением отношусь к отзывам зрителей, профессиональных художников. Но никакие оценки, хвалебные или критические, не могут повлиять на моё творчество. Я просто занимаюсь тем, что мне нравится. И рада, если мои картины интересны людям.
Ключ к мирозданиюНевероятно реалистичные картины, похожие на фотографии
Вы не поверите своим глазам. Но это правда – это не фотографии, а настоящие картины, нарисованные маслом/акварелью/карандашом и другими средствами. Среди нас ходят множество талантливых людей, которым даровано мастерство владения кистью, и в этом посте представлены именно они. Всмотритесь в эти фото внимательно – ваши глаза вас не обманывают, это настоящие картины, творение рук человеческих.
Спонсор поста: https://kanvas.com.uaОмар Ортиц – картина маслом на полотне.
Пол Кадден – картина точечным карандашом на бумаге.
Камалки Лауреано – акриловые краски на холсте.
Грегори Тилкер – картина маслом на холсте.
Ли Прайс – картина маслом на полотне.
Бен Вайнер – картины красок.
Рон Мюэк – скульптура, смешанные материалы.
Ким Джи-Юн – карандаш.
Кристина К. – рисунок на затушеванной коричневой бумаге.
Рэй Хэйр – картина акрилом на холсте.
Дэйзи – уголь.
Алиса Монкс – маслом на полотне.
Педро Кампос – маслом на холсте.
Дирк Дзимирски – графитом на бумаге.
Томас Арвид – картина жикле ограниченного издания на холсте.
Рафаль Буйновски – черно-белая краска. Буйновски нарисовал фотореалистичный автопортрет черно-белой краской, сфотографировал его и вставил в заявление на получение визы в США. Консулы не заметили ничего, в итоге художник получил паспорт с копией собственного рисунка.
Пол Кадден – карандашом на бумаге.
Робин Элей – маслом на бельгийском полотне.
Сэмюэл Силва – шариковой ручкой.
Готтфрид Хельнвайн – маслом и акрилом на холсте.
Франко Клан – карандашами на акварельной бумаге.
Келвин Окафор – графитовыми карандашами.
Эмми Робинс – цветными карандашами на чертежной бумаге.
Майк Бэйн – маслом на деревянной панели.
Роберт Лонго – углем на объемной бумаге.
Диего Фацио – угольным карандашом.
Брайан Драри – маслом на дереве.
Смотрите также:
«У вас лицо на ноге»: польский художник делает татуировки лучше фотокамеры,
Абсолютная иллюзия: как уличный художник по прозвищу Vile «ломает» стены,
Вдохновляемый хаосом: жуткий сюрреализм Фульвио Ди Пьяцца,
27 потрясающе реалистичных картин акварелью от художника Маркоса Беккари
А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?
Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!
Сесили Браун | Гагосян
Меня интересует то место, куда направляется ум, когда он пытается восполнить то, чего там нет.
—Сесили Браун
Сесили Браун создает картины, которые создают видимость непрерывного движения, наполненного эротической энергией ее выразительного применения и яркими цветами, беспокойно переключаясь между абстрактными и фигуративными способами. Ссылаясь на гигантов западной живописи — от Паоло Веронезе, Питера Пауля Рубенса и Эдгара Дега до Виллема де Кунинга, Фрэнсиса Бэкона и Джоан Митчелл, — а также на популярную культуру, она руководит эстетикой, которая выходит из рамок повествования. для достижения необычайной визуальной и тематической плавности.Ее энергичное обращение с обнаженной фигурой, в частности, обнаруживает стремление вырвать условные предметы из ожидаемого контекста. Подчеркивая свою визуальную стенографию моментами поразительной ясности, Браун поддерживает бесконечное активное настоящее.
Выросший в пригороде графства Суррей, Англия, Браун учился у художника Мэгги Хэмблинг, прежде чем поступить в художественный колледж. Ее выпуск из Школы изящных искусств Слейда в начале 1990-х годов совпал с подъемом молодых британских художников, но она не разделяла концептуальную направленность группы, ироническую позицию и приверженность культуре знаменитостей.Проведя шесть месяцев в Нью-Йорке в качестве студентки по обмену в 1992 году, она вернулась туда, чтобы жить в 1994 году, и вместе со своими современниками, такими как Джон Каррин, помогала вкладывать в фигуративную живопись новую энергию и критическое значение, которое продолжало набирать обороты.
Ключом к успеху эстетики Брауна является ее способность, казалось бы, превращать краску в плоть, встраивая человеческую форму в неистовые, фрагментированные комментарии о желании, жизни и смерти. Ее первая основная часть живописи середины 1990-х годов сопоставляет гедонистических кроликов с отсылками к традиции натюрморта; в конечном итоге это привело к оргиастическим сценам, которые снискали ей широкое и прочное признание.В руках Брауна краска всегда находится в переходном состоянии между жидким и твердым, прозрачным и непрозрачным, и этот материальный балет отражается в самих композициях. «Я думаю, что живопись — это своего рода алхимия», — сказала она. «Краска превращается в изображение, а краска и изображение превращаются в третью и новую вещь».
За последние двадцать лет работы Брауна постепенно развивались, расширялись в масштабе, разнообразились аллюзиями и палитрой, а также включали элементы ландшафта.Иногда она использует импровизацию, чтобы дать толчок новым картинам, позволяя незапланированным начальным мазкам определять дальнейшее направление работ. В других случаях она заимствует образы из истории искусства, популярной культуры или их пересечения; All the Nightmares Came Today (2012), например, это риффы с печально известной фотографии Дэвида Монтгомери на обложке альбома Jimi Hendrix Experience 1968 года Electric Ladyland . В студии Браун постоянно работает над несколькими холстами, перемещаясь между ними таким образом, чтобы мотив из одного органично переходил в другой.Она также известна тем, что на протяжении многих лет переделывала картины, что неудивительно, учитывая интенсивный толчок, который они воплощают.
Браун был предметом персональных выставок в учреждениях, включая Музей изящных искусств в Бостоне; Музей Хиршхорна и Сад скульптур, Вашингтон, округ Колумбия; и Национальный музей Centro de Arte Reina Sofía, Мадрид. В 2018–2019 годах Музей современного искусства Луизианы, Хумлебек, Дания, представил обзор ее карьеры; она также подарила картину, которая дала опросу название — Где, когда, как часто и с кем. В том же году она выставила две большие картины в главном зале Метрополитен-опера в Нью-Йорке — и была первым художником, приглашенным для этого после Марка Шагала в 1966 году. В январе 2020 года ее пригласили на выставку во дворце Бленхейм. , дом восемнадцатого века семьи Спенсер-Черчилль в Оксфордшире, Англия, создавая серию картин, исследующих «нацию в смятении».
Подробнее
Питер Браун | Пленэр Масло и пастель
Питер Браун родился в Рединге в 1967 году.В 1986 году он проучился в течение одного года в Бате. После этого он продолжил обучение, получив степень в области изобразительного искусства в Манчестерском политехническом институте в 1990 году, и вернулся в Бат в 1993 году.
С 1993 года Питера Брауна постоянно вдохновляли архитектура и жизнь всемирно известного грузинского города. Он стал привычной фигурой, рисующей уличные сцены Бата — настолько, что его ласково называют «Питом-стрит».
За эти годы Питер применил свой несомненный талант в ряде других британских городов, таких как Лондон, Оксфорд, Кембридж, Кардифф, Чичестер и Хенли-на-Темзе.Он всепогодный художник уличных сцен и пейзажей, работающий непосредственно над своим предметом в течение всего года.
Питер редко рисует в студии, предпочитая работать непосредственно с сюжета, иногда даже с самой отвратительной погодой. Браун работает углем, маслом и пастелью, за что получил множество наград на различных национальных выставках.
Питер Браун создал самобытный и энергичный стиль пленэра. Он с удовольствием общается с прохожими во время рисования. Говоря о своих картинах, Питер Браун говорит: «Я работаю полностью с натуры, используя города и сельскую местность в качестве своих сюжетов.
Я начинаю с того, что меня щекочет, и это, вероятно, определенная игра света, погоды, пространства и повседневной жизни. Большинство моих рисунков и картин занимают несколько сеансов в течение нескольких дней подряд, и за это время я могу встретиться с полицейскими, собачниками, дворниками, жителями и туристами ».
В 2006 году Питера Брауна пригласили стать первым художником в резиденции отеля Savoy в Лондоне. Он также участвовал в ряде радио- и телепрограмм BBC.
В 1998 году Питер Браун был избран членом The New English Art Club.Он также является членом Пастельного общества, Королевского института художников-масляных художников и Банного общества художников.
Источник: redraggallery.co.uk
Карен Эфирный пейзаж Карен Кейл Браун
Журнал «Искусство и культура»
https://online.anyflip.com/igplc/hpvc/#p=55
КАРЕН КЕЙЛ БРАУН — отмеченный наградами художник из Эшвилла, Северная Каролина. Родом из Нью-Джерси и выросла в красивых горах Западной Северной Каролины,
Карен была профессиональным художником более 25 лет со степенью бакалавра изящных искусств в Университете Северной Каролины в Эшвилле.Она имеет опыт работы в коммерческом искусстве и в качестве учителя рисования в школьной системе более 10 лет. Она участвовала в многочисленных художественных выставках со своими картинами в частных и корпоративных коллекциях по всей территории Соединенных Штатов.
«Art Spectrum Magazine» Картины маслом эфирного пейзажа
Карен Кейл Браун, Обнаруживает тонкий баланс между землей и небом, реализмом и абстракцией. В этом произведении из смородины Карен передает сущность и спокойствие природы с чувством внутренней энергии .Поскольку лесные склоны гор окутаны приглушенной глубиной тумана и тени, Браун сосредотачивает наше видение на моменте безмятежности, раскрывая стихийный и трансцендентный танец между атмосферой и светом. Коричневый цвет рисует интуитивно понятным и мягко выразительным мазком, передавая постоянно меняющийся облик пейзажа с неземной непосредственностью.
«Я рисую на холсте, сохраняя медитативную свободу и дыхание моего фирменного стиля, работая в любом из этих материалов. Обычно я рисую в своей студии, используя фотографии из своих опытов на открытом воздухе, чтобы вдохновить на мою работу, а не для того, чтобы диктовать результат картины.Мне нравится высвобождать свое воображение, чтобы предоставить неожиданные возможности для более творческого процесса. Я часто использую оттенок красного в картине, чтобы выразить мою внутреннюю страсть к каждой работе.
Пейзажи — это для меня личный способ соприкоснуться с духовными и физическими формами природы. Надеюсь подарить зрителю ощущение умиротворения и умиротворения. Я приветствую комиссионные, так как мне нравится включать мой стиль в видение моего клиента.
Госпиталь Mission Health поручил Карен нарисовать масляную картину 8×4 для хирургической зоны ожидания в новом крыле.
Карен поддерживает организацию «Искусство для жизни», работающую с детьми с особыми потребностями и их семьями, и жертвует свои художественные работы различным благотворительным организациям.
Studio: RiverArts District — Pink Dog Creative 348 Depot St, Asheville, NC 28801 Контактная информация. www.karenkbrown.com
[email protected] 828-231-0617 Пожалуйста, напишите или позвоните, чтобы записаться на прием
Представительство в галерее:
ВСЕ ПРОДАЖИ ОКОНЧАТЕЛЬНЫ- возвратов не подлежит
Pink Dog Studio # 160 348 Depot St.
. Эшвилл NC Pink Dog Studio — 348 Depot St,
Asheville, NC Галерея искусств Эшвилля — 16 College St
Shuptrines Gallery — 2646 Broad St, Chattanooga TN WNC Design
Taupe Gallery.Н. Уилксборо. NC Guide.com,
Agora Gallery — 25th St, NYC, NY 2013-2014
Wild Hope Gallery, Alpharetta GA
Stumpy Brown Paintings & Профиль художника
Старшая женщина-юрист Нюджу Коренастая Браун (1924–2011) была хранительницей места своих предков в Нгупаварлу в Великой Песчаной пустыне. Во время своей художественной карьеры с 1980-х по 2008 год она воссоздала пустынные места, которые знала с детства, сосредоточившись на рассказах о сновидениях, принадлежащих Нгапаварлу.
Коренастая Браун развивала свои навыки вместе с другими художниками в Фицрой-Кроссинг, работая в основном в течение первого десятилетия с использованием акриловых красок на бумаге. Слои размытого цвета стали торговой маркой художников из этого региона, и Коренастый Браун использовал цвет так же свободно, как и любой из художников Фицроя. Stumpy Brown сложила цветные блоки в разбавленных слоях, которые затем создала и смешала с соседними цветами. Резкие движения привели к созданию водоема, окруженному пустынными Сандхиллами, и, в конечном итоге, к воссозданию истории Нгупаварлу.
Stumpy Brown был частью великого массового исхода из пустыни, когда традиционные владельцы пустынных земель двинулись на север по маршруту Каннинг Сток в Балго и район реки Фицрой в Кимберли. Люди пустыни принесли с собой свои сильные культурные ценности, и многие художники, такие как Коренастый Браун, продолжали праздновать и поддерживать связь со страной предков, которую они оставили. Художественный статус аборигенов — Коллекционер.
Избранные выставки
1991 Карраили — Танданья, Аделаида
1992 Групповая выставка, Галерея Хогарт, Сидней
1993 Женщины Манкаджи, Центр искусств Фримантла
1993 Образы силы: Искусство аборигенов из Кимберли, Национальная галерея Виктория
1994 Нгаджакурра Нгуррара Миньярти, это моя страна, Выставка фестиваля в Перте / Галерея Artplace, Перт
1995 Кимберли Арт, Мельбурн
1995 Групповая выставка, Галерея австралийских перспектив, Брисбен
Приз Комиссии наследия 1996 года, Старый Дом Парламента, Канберра
Групповая выставка 1996, Галерея Хогарт, Сидней
Групповая выставка 1997 , Галерея Хогарт, Сидней
Групповая выставка 1998 года, Галерея Ребекки Хоссак, Лондон
1999 Галерея Нгуррара Джапинка, Фримантл
2001 Национальная галерея холста Нгуррары в Австралии
2001 Искусство Манкаджи Десять лет на 10-летней юбилейной выставке Мангкаджи, Танданья, Аделаида
Групповая выставка 2002 года , Галерея Art Mob, H obart
2003 Ten Mangkaja Women, Raft Artspace, Darwin
2003 Wangkatjungka Women, Japingka Gallery, Fremantle WA
2003 Big Country (Group Show), Gondwana Gallery, Alice Springs
2004 Telstra Awards, Museum & Art Gallery of NT, Darwin
2004 Страна Вангкатжунгка, Галерея Рейнтри, Дарвин
2004 Аукцион художественной торговли Дарвин
2004 Джила и Тали — Водные скважины и песчаные холмы, Галерея Хелен Максвелл, Канберра
2004 Яркие цвета живой пустыни — Ванкатджунгка, Страна, Галерея Walkabout, Сидней
2004 Большая страна (Группа Выставка), Галерея Гондваны, Алис-Спрингс, NT
2004 Тали и Джила — Песчаные холмы и водопады, Галерея Джапинга, Фримантл, Вашингтон,
2004 Художники Вангкатжунгки — Истории страны, Галерея Рейнтри, Дарвин, NT
2004 Дивы пустыни, Галерея Гондвана, Алиса Springs NT
2004 Картины из Wangkatjungka, Fire-Works Gallery, Brisbane QLD 9 0005 2005 Художники Вангкатжунки: Истории из Великой Песчаной пустыни, Танданья, Национальный институт культуры аборигенов, Аделаида, SA
2005 Вангкатжунгка, Галерея Ладнер и Фелл, Мельбурн, Виктория
2005 Художники Вангкатджунки, Галерея Walkabout, Сиднейская галерея искусств, Художественная галерея штата Нью-Йорк,
2006 Вангкатджунка Сидней
2006 Wangkatjungka — Художники Великой Песчаной пустыни, ART MOB, Хобарт
2006 Групповая выставка Wangkatjungka, Хелен Максвелл, ACT
2006 Светильники пустыни, Галерея Japingka, Фримантл, Вашингтон
2007 Wangkatjungka Mapping Country, Галерея Japingka,
Fremantleka 2008 Nyuju Stumpy Brown, Галерея Japingka, Фримантл, Вашингтон
2009 Дожди в пустыне — Художники Вангкатюнгки, Галерея Japingka, Фримантл, Вашингтон
Публикации
1991 Каррайили; Десять лет спустя, каталог выставки
1993 Mangkaja, Женский каталог выставки
1993 Изображения силы аборигенов из Кимберли — Каталог выставки
1994 Ngajakurra Ngurrara Minyarti, This Is My Country Каталог выставки
1996 Yirra: Земельное право и язык, сильный и живой , Кимберлийский центр права и культуры аборигенов Публикация
1998 Джила Нарисованные воды Великой песчаной пустыни — документальный видеофильм / SBS Television
2000 Ngurrara Entry / Oxford Companion to Aboriginal Art, Oxford University Press и ANU
2000 Karrayili История центра образования для взрослых Каррайили , IATSIS Canberra
2001 Painting Up Big, холст Ngurrara, Kaltja (ныне Национальный институт культуры аборигенов), Tandanya
Форд Мэдокс Браун — 48 произведений
Форд Мэдокс Браун (16 апреля 1821 — 6 октября 1893) был французским британским художником моральных и исторических сюжетов, известным своей ярко выраженной графической и часто хогартской версией прерафаэлитского стиля.Пожалуй, самой известной его картиной была Работа (1852–1865). Последние годы своей жизни Браун рисовал фрески Манчестера, изображающие историю Манчестера, для ратуши Манчестера.
Браун был внуком теоретика медицины Джона Брауна, основателя брунонской системы медицины. Его прадед был шотландским чернорабочим. Его отец Форд Браун служил казначеем в Королевском флоте, включая период службы под началом сэра Исаака Коффина и период на HMS Arethusa. Он покинул флот после окончания наполеоновских войн.
В 1818 году Форд Браун женился на Кэролайн Мэдокс из старой кентишской семьи, от которой было взято его второе имя. У родителей Брауна были ограниченные финансовые возможности, и они переехали в Кале в поисках более дешевого жилья, где их дочь Элизабет Коффин родилась в 1819 году, а их сын Форд Мэдокс Браун — в 1821 году.
Образование Брауна было ограниченным, так как семья часто переезжала из квартиры в Па-де-Кале к родственникам в Кент, но он проявил художественный талант в копировании гравюр старых мастеров.Его отец первоначально искал военно-морскую карьеру для своего сына, написав своему бывшему капитану сэру Исааку Коффину. Семья переехала в Брюгге в 1835 году, чтобы Браун мог учиться в академии у Альберта Грегориуса. Браун переехал в Гент в 1836 году, чтобы продолжить обучение у Питера ван Ханселаэра. Он переехал в Антверпен в 1837 году, чтобы учиться у Густава Вапперса. Он продолжал учиться в Антверпене после смерти матери в 1839 году. Его сестра умерла в 1840 году, а затем его отец в 1842 году.
В галерее Тейт хранится ранний образец работы Брауна — портрет его отца.Впервые он выставился в Королевской академии в 1840 году, произведение, вдохновленное стихотворением лорда Байрона «Гяур» (ныне утерянное), а затем завершил версию «Казни Марии, королевы Шотландии», в которой его кузина и будущая жена Элизабет Бромли стала одной из его работ. модели. Он жил на Монмартре со своей новой женой и стареющим отцом в 1841 году. Он рисовал Манфреда на Юнгфрау, вдохновленный стихотворением лорда Байрона «Манфред», когда он был в Париже.
В 1843 году он представил работу на Вестминстерский конкурс карикатуры для композиций для украшения нового Вестминстерского дворца.Его запись «Тело Гарольда, принесенное Уильяму» не увенчалась успехом. Однако его ранние работы вызвали большое восхищение у молодого Данте Габриэля Россетти, который попросил его стать его учителем. Через Россетти Браун вошел в контакт с художниками, которые впоследствии сформировали Братство прерафаэлитов. Хотя он был тесно связан с ними, он никогда не был членом самого братства, но перенял яркие цвета и реалистичный стиль Уильяма Холмана Ханта и Джона Эверетта Милле. На него также повлияли работы Гольбейна, которые он видел в Базеле в 1845 году, а также Фридриха Овербека и Петра Корнелиуса, с которыми он познакомился в Риме в 1845–1846 годах.
Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →
Подробнее …
Художники по направлению: Романтизм
Художественное движение
Романтизм (также эпоха романтизма или период романтизма) был художественным, литературным, музыкальным и интеллектуальным движением, которое зародилось в Европе в конце 18 века и в большинстве регионов достигло своего пика примерно в период с 1800 по 1850 год.Романтизм характеризовался акцентом на эмоциях и индивидуализме, а также прославлением всего прошлого и природы, предпочитая средневековье классике. Отчасти это было реакцией на промышленную революцию, аристократические социальные и политические нормы эпохи Просвещения и научную рационализацию природы — все составляющие современности. Наиболее сильно он воплотился в изобразительном искусстве, музыке и литературе, но оказал большое влияние на историографию, образование и естественные науки.Он оказал значительное и комплексное влияние на политику, и хотя большую часть романтического периода он ассоциировался с либерализмом и радикализмом, его долгосрочное влияние на рост национализма, возможно, было более значительным.
Движение подчеркивало сильные эмоции как подлинный источник эстетического опыта, делая новый акцент на таких эмоциях, как опасение, ужас и ужас и трепет, особенно на тех, которые испытываются при столкновении с новыми эстетическими категориями возвышенности и красоты природы.Он возвел народное искусство и древние обычаи в нечто благородное, но в то же время спонтанность стала желательной характеристикой (как в музыкальном экспромте). В отличие от рационализма и классицизма Просвещения, романтизм возродил средневековье и элементы искусства и повествования, воспринимаемые как подлинно средневековые, в попытке избежать роста населения, раннего разрастания городов и индустриализма.
Хотя это движение уходит корнями в немецкое движение Sturm und Drang, которое предпочитало интуицию и эмоции рационализму Просвещения, события и идеологии Французской революции также были непосредственными факторами.Романтизм высоко ценил достижения «героических» индивидуалистов и художников, примеры которых, как он утверждал, могут повысить качество общества. Он также продвигал индивидуальное воображение как критический авторитет, позволяющий освободиться от классических представлений о форме в искусстве. В представлении его идей было сильное обращение к исторической и естественной неизбежности, духу времени. Во второй половине XIX века реализм предлагался как полная противоположность романтизму.Упадок романтизма в это время был связан с множеством процессов, включая социальные и политические изменения и распространение национализма.
К определению природы романтизма можно подойти, исходя из первостепенной важности свободного выражения чувств художника. Значение, придаваемое романтиками эмоциям, резюмируется в замечании немецкого художника Каспара Давида Фридриха о том, что «чувство художника — его закон». Для Уильяма Вордсворта поэзия должна начинаться как «спонтанное переполнение сильных чувств», которые поэт затем «вспоминает в спокойствии», вызывая новую, но соответствующую эмоцию, которую поэт затем может превратить в искусство.Считалось, что для выражения этих чувств содержание искусства должно исходить из воображения художника с минимальным вмешательством со стороны «искусственных» правил, которые диктовали, из чего должно состоять произведение. Сэмюэл Тейлор Кольридж и другие полагали, что существуют естественные законы, которым воображение — по крайней мере, хорошего творческого художника — бессознательно следовало бы через художественное вдохновение, если бы его оставили в покое. Считалось, что помимо правил, влияние моделей из других работ мешает собственному воображению создателя, поэтому оригинальность была важна.Представление о гении или художнике, который смог создать свою собственную оригинальную работу посредством этого процесса творения из ничего, является ключом к романтизму, а быть производным было худшим грехом. Эту идею часто называют «романтической оригинальностью».
Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Ranticismкартин Лили Браун — Обучение детей философии
Резюме
Картины Лили Браун задают множество вопросов о реальности, воображении и искусстве.Лили Браун — художник, рисующий свой собственный воображаемый мир. Яблоки поют, и люди ходят на ее картинах вверх ногами, но это нормально, потому что это ее мир!
Прочитать вслух видео Марвы Коллинз
Руководство для философской дискуссии
Картины Лили Браун посвящены философским концепциям реальности в сравнении с воображением или иллюзиями. Тонкие линии, которые могут показаться разделяющими эти концепции, серые, и их нелегко разграничить в событиях этой книги.
Книга открывается описанием «реального мира» Лили Браун — ее дома, ее родителей, брата, ее спальни, ее жизни. Затем автор пишет: «Когда Лили Браун начинает рисовать, ее мир начинает меняться». Это подводит нас к теме, обсуждаемой во втором разделе набора вопросов — реальный мир против мира воображения. Хотя автор никогда не заявляет, что, когда Лили рисует, она попадает в другой мир, многие философы могут утверждать, что Лили создала воображаемый мир, в котором она может управлять событиями и делать вещи, которые никогда не могут произойти в реальной жизни.Они утверждали, что вид Лили «деревья, которые носят шляпы, пьют чай и кланяются ей» — это воображаемый опыт. Эти воображаемые переживания могут служить какой-то цели в ее психологическом развитии, например, помогая ей принять реальный мир таким, какой он есть, в то же время воплощая свои фантазии в этом «мире сновидений» ее картин.
Изучение природы и цели искусства также является важным философским вопросом, поднятым в этой книге. В книге говорится, что на картинах Лили Браун «цвета людей, мест и вещей меняются вместе с ее сердцем.Кто-то может возразить, что Лили использует искусство как средство выражения не только своего воображения и творческой изобретательности, но также своих чувств и эмоциональных реакций на вещи, происходящие в жизни. В разделе «Цель искусства» набора вопросов детям предлагается обсудить типы вещей, которые художник может делать с картиной, например, выбирать разные цвета для использования или различные объекты для рисования, которые могут позволить ей выразить свои мысли. эмоции через ее работы.
Это приводит нас к разделу «Природа реальности» набора вопросов: характеристикам опыта, которые квалифицируют этот опыт как реальный или как сон.Некоторые философы могут возразить, что то, можно ли считать опыт «реальным», определяется одним простым фактором: могут ли эти вещи действительно происходить в реальной жизни? Если ответ отрицательный, переживание является воображаемым; если да, то это реально. Другие философы утверждают, что сильное ощущение, которое человек испытывает в реальном опыте, отличается от ощущения, которое человек испытывает во сне или фантазии. Этот аргумент, однако, нелегко применить к событиям в этой книге, поскольку мы не имеем представления о том, что чувствует Лили Браун, когда она «ходит по своим картинам».В книге действительно говорится, что только Лили переживает уникальные вещи, которые происходят в ее снах, такие как аллигаторы, сидящие на шезлонгах, и антилопы, разговаривающие по телефону.
Это подводит нас к разделу «Природа воображения» из набора вопросов: может ли тот факт, что один человек переживает то, чего никто никогда не видел, быть достаточным доказательством, чтобы квалифицировать этот опыт как реальный? Или для этого требуется большая группа людей, ставших свидетелями события, чтобы общество в целом считало его «реальным» опытом?
Мир, который возникает, когда Лили начинает рисовать, на первый взгляд может показаться иллюзорным или миром снов, но Льюис и Джонсон выбрали иллюстрации, использованные в книге, чтобы не было ясно, где заканчивается «реальный мир» и «Мир фантазий» начинается.Страницы книги, которые описывают то, что Лили переживает в своем мире живописи, проиллюстрированы тем, что похоже на детские акварельные рисунки. Тем не менее, на страницах, повествующих о том, что происходит за пределами живописного мира Лили, используются профессиональные иллюстрации. Может показаться, что автор предполагает, что то, что происходит за пределами живописного мира Лили, является объективным, реальным миром, в то время как мир, который оживает, когда Лили рисует, — это мир, который является просто мечтой, созданной воображением ребенка.Однако последняя страница книги демонстрирует намерение автора создать оттенки серого между объективным и призрачным мирами. Хотя Лили Браун закончила рисовать и собирается ложиться спать, Льюис и Джонсон используют детские рисунки, чтобы проиллюстрировать, что «это снова их [семейный] мир, и это чудесно». Предполагаемый «реальный мир» иллюстрируется детской картиной «мир снов». Детям понравится отправляться в собственное путешествие по картинам Лили, решая, какой, по их мнению, является «реальным» миром, и что означает, что опыт считается «реальностью».”
Вопросы для философской дискуссии
Реальность
Но когда Лили Браун рисует, ее мир начинает меняться.
- Какие вещи меняются в мире Лили, когда она начинает рисовать?
- Можете назвать пару странных вещей, которые происходят?
- Вы когда-нибудь видели, чтобы происходило что-нибудь из этого? Как вы думаете, возможно ли, что что-то из этого произойдет в реальной жизни?
- Вы думаете, что то, что она переживает, реально? Почему или почему нет?
- Что делает опыт реальным?
Воображение
На картинах Лили Браун люди ходят вверх ногами, а здания на улицах танцуют под летающие над ними самолеты.И это другой мир.
- Если вы пережили что-то в одиночестве, и никто другой не видел того, что вы видели, означает ли это, что то, что вы пережили, было плодом вашего воображения? Или это могло быть реально? Как ты мог сказать?
- Когда Лили Браун рисует и живет в своем собственном мире, она мечтает или использует свое воображение?
- Что делает что-то мечтой или воображением?
- Почему люди создают воображаемые миры?
Арт
.Все, что видит и чувствует, Лили рисует по-своему.Она помещает свой мир цвета и света на все, что может найти. Это волшебно.
- То, что Лили вкладывает в свои картины, еще никто не видел. Как вы думаете, почему Лили рисует такие вещи?
- Что еще вы можете делать, когда рисуете или рисуете картины?
- Может ли создание искусства проявить ваше воображение?
На картинах Лили Браун цвета людей, мест и вещей меняются вместе с ее сердцем.
- Как вы думаете, почему цвета всех и вся на картинах Лили меняются, когда меняется ее сердце?
- Можно ли использовать живопись или искусство как способ выразить свои чувства?
- Если бы вы разозлились и нарисовали картину, как бы она выглядела? Какие цвета вы могли бы использовать? Какие вещи были бы на ваших картинах?
- Если бы вы были очень счастливы и нарисовали картину, как бы она выглядела? Какие цвета вы могли бы использовать? Какие вещи были бы на ваших картинах?
Оригинальные вопросы и рекомендации для философского обсуждения Майи Дин.